第十二天6/4星期四
行程
0820 Paris-Hotel de Blois
0830-2130 Paris巴黎
Musee du Louvre羅浮宮
Arc de Triomphe du Carrousel卡塞爾凱旋門
Jardin des Tuileries杜勒麗花園
Musee de l'Orangerie橘園美術館
Place de la Concorde協和廣場
Pont de la Concorde協和橋
Av des Champs Elysee香榭大道
甜點店-Pierre Herme
甜點店-Laduree
Place Charles de Gaullel戴高樂廣場
Arc de Triomphe凱旋門
Port Alexandre III亞歷山大三世橋
Cafe Les Deux Magots雙叟咖啡館
Musee d'Orsay奧賽美術館
2130 Paris-Hotel de Blois
Hotel de Blois→Musee du Louvre
Metro 4 Alesia 0835→Chatelet 0849(Porte de Clignancourt)
Metro 1 Chatelet 0852→Palais Royal Musee du Rouvre 0854(Grande Arche)
費用：€1.6(carnet€1.14)
可從地鐵站直接進入羅浮宮，勿上樓至金字塔徬排隊
Musee du Louvre羅浮宮
原是十二世紀建於賽納河沿岸的城堡，在十六世紀時由弗朗梭瓦一世決定建造成宮殿，其後經過歷代國王完成了改建及增建的工作，在路易十四時，這裡住了許多藝術家，法國大革命後成為美術館，其中的作品以拿破崙所佔領的義大利、埃及等地獲得的戰利品居多，希臘人美莉娜梅克莉曾說希望倫敦的大英博物館和羅浮宮能儘快歸還所有國。
開放時間：0900-1800.Wed&Fri 0900-2200(Closed：Tue)
門票：€9(Museum Pass-2 days pass €32)
三寶：La Gioconda蒙娜麗莎的微笑、La Venus de Milo米羅的維納斯、La Victoire de Samothrace勝利女神
注意：Entry using pass by way of the Passage Richelieu(between the Place du Palais Royal and the Cour Napoleon)
小知識-金字塔
在1983年法國整建大羅浮時，總統密特朗指定華裔美籍建築師貝聿銘為主要的工程師，法國人大嘩，因為法國人把羅浮宮視為他們的文化聖地，就是法國人也不敢輕易動土，何況是一位華裔美人，因此他們不相信貝聿銘有此能力，甚至有人諷刺說：貝聿銘懂法國文化嗎？之後他設計出來的第一張藍圖是一個非常現代化的玻璃金字塔入口，這又給法國人取笑的機會，法國人問：在羅浮宮的建築中建一個現代化的玻璃金字塔不倫不類，但是貝聿銘及密特朗總統不為所動，還是依照構想完成了，現在法國人對玻璃金字塔完全改觀，而這全憑密特朗總統的堅持才成功誕生下來，若是換了別人，肯定抵不過媒體的壓力，因此巴黎人不稱它是貝聿銘的金字塔，而是稱為密特朗的金字塔。
Arc de Triomphe du Carrousel卡塞爾凱旋門
拿破崙於1806-1808年間建為杜勒麗宮入口，大理石柱上方刻著拿破崙大軍的英姿，這些雕塑取代了拿破崙在滑鐵盧一役後被迫歸還的聖馬可的馬群雕塑。
Jardin des Tuileries杜勒麗花園
以池塘、花壇和麥約的青銅雕像著名，是巴黎最古老的公園之一，為勒諾特爾所設計，杜勒麗花園原為皇后麥迪奇的私產，皇后在花園裡建造杜勒麗皇宮後，杜勒麗皇宮一直都是國王、皇后的寢宮，也是國王舉辦宴席的地方，因此華麗不凡，後來凡爾賽宮落成，國王遷出，一度冷落了，1798年法國大革命後，巴黎人強調路易十六從凡爾賽住進杜勒麗皇宮，但是也開始充滿了血腥的味道，當時的杜勒麗以淪為國家的議壇，國王不能當家，國家議會、革命委員會、元老院等都在這裡開會，直到拿破崙霧月政變(1799年11月9日)，各種驚天動地的大事層出不窮，杜勒麗皇宮成了權謀家的決戰場，在拿破崙崛起之前，1792年8月10日一大早，路易十六在杜勒麗皇宮中接到消息，聽到帝制被廢，路易十六自知大難臨頭，於是帶著全家跑向議會，議會原是杜勒麗皇宮的馬房，可是中途被截，於是保皇與倒皇的雙方展開戰鬥，倒皇的以大砲攻入前廳，雙方都死了很多人，因此皇宮也半廢了，可惜1871年5月人民公社的政爭之火連這半廢的皇宮也保不住了，如今杜勒麗花園到處可見到許到雕像，因此有著露天博物館之稱。
Musee de l'orangerie橘園美術館
橘園先前於1852年建為溫室之用，存放果樹的地方，後來才改建為美術館，雖然設計相當現代感，但也保留了當初溫室的局部結構，歷經幾次的重建，於2006年重新開放，在巴黎眾多的美術館裡，橘園獨以印象派畫家的作品，尤其是莫內的花園長捲聞名，館內收藏的作品主要分為兩大部份，一是瓦德爾與紀庸的捐贈作品，另一是莫內的睡蓮系列作品，兩間橢圓形展廳依照莫內的期望所設計的，因此高高的天花板有很好的採光處理，讓人可以以自然的光源欣賞畫作，睡蓮為題的畫作是莫內在1895年到1926年的主要作品，此期間他繪的畫作共有250多幅，這些畫全都是莫內以自己在巴黎遠郊吉維尼住所花園內的蓮花池為對象創造的，作品多描繪漂浮的睡蓮、池邊垂柳和百合花、水中雲彩及池中小橋。
開放時間：0900-1800(Closed：Tue)
門票：€7.5(Museum Pass-2 days pass €32)
推薦：莫內的睡蓮系列、紅帆船
睡蓮系列-莫內
紅帆船-莫內
莫內受到布內的影響，去研究水的形態，把它呈現在畫面上，這幅作品水的倒影十分逼真，他的畫筆充滿水的感覺，水上的紅帆船及白帆船相間，太陽光閃耀在周圍的水面上，如此生動的風景作品，為莫內吸引了當時及後代的目光。
Place de la Concorde協和廣場
建於十六世紀，原名為路易十五廣場，用以展示國王雕像，後於十八世紀由卡布里葉設計，將這裡闢成一個開放式八角形廣場，僅北方有房舍建築，此處於法國大革命後改名為革命廣場，1792年雕像被斷頭台所取代，兩年半裡有1119人被處決，如路易十六、瑪麗皇后、革命領袖羅伯斯比和但敦，後來於1795年改名為協和廣場，意即諧和、安樂的廣場，協和廣場一直脫離不了政治，1988年最後一任法王路易菲利普為了使敵對的各地勢力皆大歡喜，因此下令重建，兩側鑲金燈桿豎立起來，廣場中央放置一座具有3200年歷史的埃及方尖碑，使它成為巴黎最漂亮的廣場。
小知識-埃及尖碑
協和廣場完工時廣場中央原是路易十五的雕像，法國大革命之後，路易十五的雕像也斷了一隻右手，雕像也被搬到凡爾賽宮，雕像的原位成了斷頭台，1836年來自埃及已有3200年，重220噸的方形尖碑在二十萬人面前豎立起來，尖碑略帶粉紅色，一式兩根，原豎立在埃及路克索城的阿蒙神殿前，法國的這根是1831年由埃及總督送給法國查理十世的禮物，埃及人認為它是太陽神的象徵，目前另一根則在英國倫敦。
Pont de la Concorde協和橋
協和廣場濱賽納河的一側有一座石橋，意取協和，實際上是諧和，1789年法國人攻破巴士底監獄，皇權的象徵沒了，恨透這個象徵的人，立刻夷平監獄，並以監獄的石頭在1791年建了這座橋。
甜點店-Pierre Herme
地址：4 Rue Cambon-Paris
營業時間：1000-1900
推薦：Ispahan、Mont Blanc、Tarte au Chocolat
甜點店-Laduree
想到macaron就會想到Laduree。
地址：75 Av des Champs Elysee-Paris
營業時間：0730-2300.Sat 0730-1200.Sun 0730-2200
推薦：Creme Brulee烤焦糖布丁、Macaron
Place Charles de Gaullel戴高樂廣場
戴高樂將軍過世以前，這裡一向稱為星辰廣場，現今仍簡稱為星辰，廣場依據1854年歐斯曼男爵的藍圖所闢建。
Arc de Triomphe凱旋門
凱旋門位於十二條大道的交叉點，也是戴高樂廣場的中央，十六世紀初，凱旋門原址還是一片沼澤，路易十五擴建香榭大道，當時有十二條大道在此交叉，形成重要的交通點，拿破崙崛起後，連戰皆捷，拿破崙手下大將富波認為已到了建一個勝利碑記念的時候了，於是1806年由拿破崙下令建造凱旋門，由建築師Chalgrim設計，但是工程一開始就不順，因此進行的很慢，更遭的是工程尚未及半，就傳來拿破崙在德國萊比錫兵敗的消息，工程也就中止，1821年拿破崙死於遙遠的大西洋聖赫列拿島，未完工的凱旋門成了刺眼的東西，1832年法國最後一個皇帝菲利普登機，新皇帝為了討好拿破崙舊部，續建凱旋門，終於在四年後完工，1804年在親屬的要求下，法國自聖赫列拿島迎回拿破崙的屍骨，直到此時，拿破崙才第一次穿過凱旋門，埋葬在傷兵院中，凱旋門正面刻有馬賽曲(該取原名為1792年義勇的出發)浮雕，描述法蘭西時代的光榮歷史，其他雕刻則描寫拿破崙軍隊的事蹟，如佔領埃及的亞歷山大以及比利時、奧地利的貧窮農村等，雖說凱旋而歸，其實卻是侵略，這個門的內側牆壁上記載著參戰600多名將軍的名字，雨果的父親也是其中之一，但是卻沒有刻在牆壁上，雨果曾把他的不滿寫在詩中，雖說如此，他的遺體卻放置在此門前一個晚上，以國葬儀式辦理，左邊則是Cortot考賀多的作品，為了紀念1810年勝戰的維也納之和平，排面下是一次大戰無名英雄，爬上凱旋門之後，中途有個小型的博物館，陳列描述凱旋門歷史的圖片，從這裡沿著樓梯上去就是瞭望台。
開放時間：1000-2100
費用：€9(Museum Pass-2 days pass €32)
Port Alexandre III亞歷山大三世橋
有世界最美的大橋之稱，建於1896-1900年間，1893年法蘭西與俄羅斯聯盟，法國打破了20年長期被德國孤立的國際局勢，於是這座橋以俄國沙皇亞歷三大三世命名，1896年親自由沙皇主持奠基，他的兒子尼古拉二世來參加這座橋的落成典禮，這座橋完全是金屬架構，橋上的花朵、銅製燈杆皆由戴著翅膀的小愛神和海怪托著，寓意塞納河與涅瓦河的水中仙女帶著武器形象構成了大橋裝飾的主題，這是仿作聖彼得堡的三位一體橋，右岸兩座立柱則有象徵古代查理曼法蘭西和現代法蘭西的標誌，左岸兩座立柱上有代表文藝復興時期和路易十四時期的法國標誌，分別表示藝術、科學、工業和商業，大橋兩端的入口處的立柱上分別有象徵塞納河和涅瓦河的裝飾物。
小知識-塞納河畔的舊書攤
隨著印刷和出版工業的發展，早在十五世紀末巴黎皇宮前的小廣場上已陸續出現一些流動的舊書攤，廉價出售舊書和古詩畫，尤其到了拿破崙三世之時，經政府有關部門批准的一百多家舊書商在市中心的塞納河畔依次設立綠色書箱，塞納河畔的舊書攤被喻為巴黎一景，舊書攤群已發展至245家，這些綠色書箱從奧塞Pont de Sully到Pont Marie綿延4公里，可稱得上是世界最長的圖書館。
Cafe Les Deux Magots雙叟咖啡館
1813年Desabie開設了一家流行名品店，就在當時有齣戲叫做The two Magots of China走紅後，他們就將店名改為Les Deux Magots，之後幾年用了許多方法吸引顧客上門，在1873年時他們的店面搬到新位址，並在當時放了兩尊異國風味的雕像，不過在1881年時轉手給春天百貨，之後遇到大火付之一炬，在1884年時再轉手賣給一位商人，商人將店移到現今的位置，在1914年商人的晚輩看上地理位置佳，因此將之改為咖啡館。
地址：6 Place St Germain des Prex-Paris
Musee d'Orsay奧塞美術館
奧塞原是一個火車站，建於1888年，也是為世界博覽會而建的，但博覽會結束後它失去功能了，一度改為郵局，後來空置起來，二十世紀時還有人想把它拆掉，後來在十大文化建設下，改成博物館，巴黎一直缺少收藏十九世紀繪畫藝術的博物館，奧塞美術館的的誕生正好彌補了這個遺憾，現今奧塞美術館收藏的繪畫以1848年至1914年的繪畫為主，特別是印象派、象徵派、抽象派等。
開放時間：0900-1800.Thur 1000-2145(Closed：Mon)
費用：€8.Thur€5.5(Museum Pass-2 days pass €32)
小知識-Impressionism印象主義
印象派是繼十四世紀文藝復興後，另一次藝術思想的大躍進，這一個新的觀念不但與文藝復興時期一樣影響全歐，更影響了全世界，1874年巴黎一群不受學院派約束的先進畫家，開了一次畫展，當時的環境是古典藝術，浪漫派已經沒落，而寫實主義與裝飾派無法支撐大局，印象派當時在法國遭到英國的拉斐爾前派和唯美主義的夾擊，印象派的畫家們了解照相術的發明與普及，再走寫實路線已無前途，1874年4月15日一群在巴黎的畫家展出數年來一直被官方沙龍排斥的作品165件，莫內畫了一幅日出印象令當時參觀的人大為吃驚，有位美術記者Louis Leroy在報導中潮笑他們的畫如同畫名印象一樣，作畫只憑印象，因此稱這派的人為印象派，印象派拜光源為導師，他們認為一件物體會隨光線的變化而不斷變色、變形，莫內對著乾草堆及盧昂大教堂同一件物體畫了一系列的畫作，幅幅不同，印象派的畫家看黑不是黑，看白不是白，他們認為黑色是深紫、深藍、靛青三色調成，他們由科學分析得知綠橙紫為光學的三原色，而不是過去畫家認為的紅藍紫，所以太陽光室白色還是黃色要依當時的時間而定，不同太陽光照在不同顏色的物體上，自然顯現出不同的顏色，難怪近代寫實之父庫爾貝在看到莫內作畫時不解的問：為什麼不畫？莫內說：我在等太陽光，庫爾貝說：你可以先畫背景啊！莫內卻不同意，可見印象派畫家將作畫的層次變廣、變深，光不是白色，影子也不黑，他們都是深藏色彩的，用這個角度看世界是多麼色彩繽紛，這個改變了幾千年來繪畫遊戲規則，印象派也細分了幾個派別，印象派是指那些領導這個革新運動的初始畫家，他們特別注意陽光的變化，所以喜歡到戶外寫生，因此又稱為外光派。
代表性的觀念：
1.以光譜色(分析太陽光後得到的七色)作畫
2.在畫布上將補色並置，在觀者的眼中是自動調色，增加畫面的彩度與明度
3.否定固定色，不用黑色和深咖啡色
4.不用線條畫輪廓，認為陰影是有顏色的，只是彩度、明度較低
小知識-New Impressionism新印象主義
企圖以更科學的方法，把各種色調分析、體系化、機械化，分析色彩細密整齊的小筆觸，堅實的構圖及裝飾風的作風，代表人物為秀拉大傑特島的星期日下午，西涅克精於理論體系的建立，著「從德拉克諾瓦到新印象派」，他認為新印象派並不是pointillist點述的，而是divisionist分割的。
小知識-Post Impressionism後印象主義
指塞尚、高更和梵谷等人的畫作，共同點是每個人都有自己的一段印象畫派時期，反對把物體分解成支離破碎的光和色，回復事物的實在性，後期印象派之後的印象派畫家們了解到，印象派太注重光彩變化，新印象派忽略主題本身的形和色，再加上照相術的日益精進，印象派那種客觀的繪畫法，只要彩色相片加上網線和布紋紙，繪畫實在不是其對手，影響後期印象派畫家的是1862年倫敦舉行的世界博覽會，在博覽會中他們對東方繪畫的簡潔明瞭留下了深刻的印象，尤其是中國的山水畫家加上畫家的主觀見解，把複雜的形體簡化，使畫面更加含蓄、生動、有韻味，這種主觀的作畫方法正好成了這些思變的法國畫家模仿的對象，之前印象派的馬奈、莫內常把東方畫掛在牆上參考，到了後期印象派的畫家塞尚、梵谷、高更進而想臨摹東方畫的精神，尤其是梵谷，他在35歲時，遷居至南法亞耳時的房間，掛在床頭的就是一幅日本畫，而後印象派的特色為修正印象派太注重光影變化及新印象派忽略主題本身的形與色，加入東方畫家的主觀觀察，最後創造出一個脫離文學、宗教、哲學等繪畫無關的東西，純粹表現眼睛所看到物體的形與色，這些反思與再思考使得後印象派的畫家成了印象派的精華。
地面層：是由車站改建而成，通道旁的小房間展出至1880年為止的畫作。
La Source泉-安格爾(地面層-1室)
是安格爾的得意之作，畫中年輕的裸女拿著壺罐讓水倒了出來，美麗柔緩的身體曲線使她的肌肉看起來更具魅力，這幅畫早在1830年安格爾在佛羅倫斯期間就開始創作，事隔26年，當他已是76歲高齡時才終於完成，畫家在畫中將色彩運用的非常柔和而富於變化，表現出清高絕俗和莊嚴肅穆的美，安格爾在這幅畫中把女性人體的美和古典美巧妙的結合在一起，出色地表現了少女天真的青春活力，因此被認為是西洋美術史上描寫女性人體的優秀作品之一。
Naissance de Venus維納斯的誕生-卡本奈(地面層-3室)
1863年因為用上了神話題材，所以刺激性的姿勢得以被正當化。
La Danse舞蹈-卡爾波(地面層-glerie Seine)
舞蹈這件作品中有一群青年男女舞者翩翩起舞，他們呈現出一種熱烈的音樂桿，其中位於中間的男性舞者，右手搖著手鼓，造成向外放射的動向線，而他的形體也是向外開放的，因而產生了奔放的感覺，圍繞著這位男性舞者的是一群正在跳舞的少女，充分顯示出狂歡的氣氛，在形式上少女們拉起的手臂組成一個圓弧形，把向外放射的形式收攏起來，使形體的自由跳動統一於雕像的整體範圍內，因而使它在有限的空間裡展示著無限的生機，卡爾波靈活和輕盈的手法結合了一種活潑的肉慾感，在歡娛的韻律中以自在揮舞與旋轉結構表現人體的虛實空間，但這樣狂熱地展現顯示生活中的裸體形象，使得這件作品受到輿論的抨擊，當它正式樹立在歌劇院門前時，一些不習慣這種赤裸的狂歡形象的保守派指責它低級下流，甚至有人想將它毀掉，但經過漫長的時間考驗，它已經成為巴黎歌劇院的象徵。
Le Fifre吹笛人-馬奈(地面層-14室)
完成於1866年的吹笛人顯然是受到日本版畫的影響，筆觸冷靜客觀、手法乾淨俐落，整個畫面顯得既簡單又明瞭，當時保守的畫壇對此畫不顧及立體表現，而使得馬奈遭到官方沙龍展的拒絕。
Olympia奧林匹亞-馬奈(地面層-14室)
奧林匹亞是馬奈以輪廓線條與明亮色彩表現立體感的代表作，而真正奠定馬奈大師級地位的正式這幅畫，畫中的女人其實是一位妓女，卻毫無低賤的感覺，馬奈把她畫成一個人，而不是一件物品，整幅畫顯露出一個訊息：她是出於自願來施展魅力，而非服從別人的指示。
La Balcon陽台-馬奈(地面層-14室)
這幅畫可以看出馬奈是從傳統中去尋求靈感，與戈雅的陽台上瑪哈類似，也正是戈雅的這幅畫刺激馬奈作了一組陽台上的人物，去探究戶外強光跟隱沒室內形象的陰影之間的對比，馬奈的這一探索遠遠超出60年前戈雅的限度，他把這一探索引向深入，跟戈雅的畫不同，馬奈的淑女頭部沒有用傳統的手法造型，馬奈畫出的頭部看起來是扁平的，他並不想通過明暗的交互作用畫出軀體的立體感，背景中的那位淑女連個像樣的鼻子都沒有，不難想像為什麼在不了解馬奈意圖的人看起來，這種處理方式好像十分幼稚無知，然而事實卻是：在戶外陽光普照之下，圓凸的形象有時確實看起來是扁平的，僅僅像一些色斑，馬奈要探索的正式這種效果，當我們站在前面觀看時，他的畫看起來比任何作品都更接近現實，實際感覺自己跟那一組陽台上的人物對面而立，整幅畫的總體印象並不是扁平的，相反的有真實的深度感，產生這一驚人的效果有一個原因是陽台欄杆的色彩鮮明，欄杆被畫成鮮綠色，橫切畫面，全然不顧關於色彩和諧的傳統規則，結果這道欄杆突出於畫面之前，人物就退到它後面去了。
Femmes au jardin花園中的女人-莫內(地面層-18室)
這裡的畫面是根據一幅照片安排的，這說明莫內並不介意構圖服從自然景物的偶然性，照片本來也讓莫內想到空間深遠的效果，然而莫內對此並不介意，讓他感興趣的僅僅是平面與色彩的對比，正因為這幅畫的人物沒有立體感，色彩才能在這裡大放光彩及充分顯示其多樣性，婦女衣裙上的花飾、草坪上的鮮花、突出在大片濃綠之中的葉子、從樹葉的空隙之間透露出來的天空、穿透陰影的光線，這一切造成了一幅色彩妍麗的鑲嵌畫效果。
Coquelicots罌粟花田-莫內(地面層-gelerie Seine)
1873年創作的亞嘉杜的罌粟花田，畫中的人物是自然景色的點綴，為了與花的色調相應，人物僅露出頭部與部份的身體，充分的陽光沐浴在山坡上，使得花朵顯得更加光彩奪目，這種大自然的描繪是莫內從革新的繪畫創新所注重的題材。
Le dejeuner sur l'herbe草地上的野餐-馬奈(地面層-gelerie Seine)
畫中那位裸體女子是馬奈在早期穿鬥牛士服裝的維克多莉娜默朗中的模特兒默朗，她是馬奈從街上領回的一位妓女，長期為畫家充當模特兒，馬奈讓她在這幅畫中表現裸體坐在林中溪邊的草地上，與兩個穿衣紳士(費迪南和馬奈的兄弟歐仁馬奈)作伴，左側前景有一隻翻倒的籃子，食物滾出籃外，又在後景的湖池邊添畫了一個穿著襯衣的女人俯身站在水裡，這是一種精心安排的野餐，是為了尋求色彩對比的大膽試驗，這一構圖惹惱了繪畫界的許多人，圍繞馬奈的這幅畫，評論界也劃分成兩個陣營，畫中幾個人物構成一個互相交錯的三角形，兩位男子和裸體女子的肢體互相交纏，這樣就把此畫的性戀寒意凸顯出來，馬奈把這含義表達的很清楚，他把費迪南抬起來的右手和左手、維克多莉娜露出的左腳處理為統一顏色，同一紋理，把費迪南抬起來的手畫在中心位置，那是一個解剖三角形的頂，有人指出這就是傳統上所說的男女交亂的象徵，1863年在落選者沙龍中展出，此畫引起了世所罕見的轟動，他直接表現塵世環境，把全裸的女子和衣冠楚楚的紳士畫在一起，畫法上對傳統繪畫進行大膽革新，擺脫了傳統繪畫中精細的筆觸和大量的棕褐色色調，代之以鮮艷明亮、對比強烈、近乎平塗概括的色塊，這一切都使得官方學院派不能忍受，此畫在構圖上把人物置於同一類樹木茂密的背景中，中心展開了一個有限的深度，中間不遠的地方彎腰的女子成為前景中三個人物組成的古典式三角形構圖頂點，在技法上把繪畫作為二度表面的主張又向前推進了一步，在對外光和深色背景下表現作了新的嘗試，因此此畫在藝術技巧和歷史意義上都是一個創新。
Des glaneuses拾穗-米勒(地面層-galerie Seine)
拾穗所表現的是三位農村婦女，米勒賦予三位農婦經典的永恆姿勢和造型，這三位農婦衣著粗厚樸實，隱約可以看到她們因為辛勤勞動的生活壓力，練就一身結實的肌肉和堅硬的骨骼，俯首撿拾地上的落穗時，三位農婦那種細微的動作，散發出一股感人的親情與無言的默契，這三位拾穗的農婦分別為祖母、母親及女兒三代同堂，母親居中，彎腰最深、拾穗最多、最能吃苦，看她腰間的袋子裝的最滿最重，一眼變能認出，為家計一間扛起的偉大母愛，左邊裹著藍色頭巾的少女，多出兩截兔巾，深怕白皙的皮膚被炙烈的太陽曬傷，動作也靈巧，右手剛拾得的麥穗立刻交由左手置於背後，一種年輕的活力和少女慣有的柔美及優雅的氣氛躍然紙上，最右邊半立半蹲的長者為祖母，雖然年邁，動作稍拙緩，但依舊挺起身子和媳婦孫女，象徵性地拾幾株麥穗在手，仍不時地檢視並為她們加油打氣，作為一個家族長老的精神支柱與標竿，三個女人距離不等，高度有別，動作則一如連續劇畫面，由祖母的半立、經左邊孫女的半蹲、到媳婦的全蹲深躬，手掌由祖母的全開、作欲拾之勢，到孫女初觸地面，而終於媳婦的拾穗在握，像極一幕活動的電影畫面，米勒纖細的心靈與精敏的雙眼，洞悉人間的寒暖悲歡，背景可見遠方的田裡仍在繼續收割，成捆成堆的麥捆、麥垛，一輛大板車和成群的農場工人構成一幅明亮歡愉的熱鬧景象，與三個拾穗的農婦形成對比，在畫面右側，騎馬的管理員正在監督收成的進度，更遠處可以看到村莊的屋宇，三個婦女分別裹著藍、紅、黃三種美麗原色的頭巾，相貌特徵幾乎全被遮蓋了，她們是沒有面孔的無名氏，她們只是拾穗者，米勒將幅畫取名為Des Glaneuses，用不定冠詞Des來表示畫中人物並不特指某些拾穗者，意味著畫中情景具有放諸四海，三人未敢驚動他人，默默拾起農地主人剩餘殘存的落穗，那種卑微，並甘為卑微的平民性格(三人都在地平線以下)才是米勒畫中人物背後不為人知的偉大悲情。
L'Angelus晚禱-米勒(地面層-galerie Seine)
晚禱的畫面非常簡單：在巴比松附近Chailly平原的田野中，在黃昏時布滿晚霞的天空下，一男一女兩個農民正以虔誠的姿態低頭禱告，男人把帽子脫下拿在手上，米勒所用的模特兒是真正的農民，一個是後來被戲稱為晚禱娘的農場女工莫什納爾，另一個是專門在農場打短工的當地人米尼歐，他們身上穿著樸素的日常衣服，厚重耐磨的舊衣已經褪色，腳上穿著法國農民的傳統木鞋，為了祈禱，他們放下了工具暫停工作，在他們腳邊豎著掘馬鈴薯用的大叉，擱著裝滿馬鈴薯的籃子，停著載滿一袋袋馬鈴薯的小推車，米勒在1855年已經畫過在這片田裡工作的農民，這幅稱為馬鈴薯收成的畫現藏於巴爾的摩的華爾特斯藝廊，根據其兄弟的說法，米勒本來要把晚禱取名為馬鈴薯欠收，以表達農民眼見辛勤耕耘換來微薄收穫的心酸，僅此而已，然而目睹這幅畫的人都能感受它強烈的宗教氣氛，農業社會背景反倒在其次，所以米勒才決定在背景加畫一個微小如蟻的教堂鐘樓夏伊教堂，並正式命名為晚禱。
中層：集中1870至1914年間的繪畫、裝飾及雕塑等作品。
Porte de l'Enfer地獄門-羅丹(中層-terrasse Rodin)
1880年羅丹受到國家的委託創作的。
上層：集中印象派作品。
Repetition d'un ballet sur la scene舞台上芭蕾舞排演-竇加(上層-31室)
1873-1874年創作的舞台上芭蕾舞排演是竇加一貫的作風，他發掘被一般人認為是不優雅的姿勢所具有的獨特美感，並且將之加諸於優雅化身的芭蕾舞者身上，以優雅與醜陋、精緻與瑣碎的對比美感造成意識形態上的衝突。
Ragetes a Argenteuil亞爾嘉杜的帆影-莫內(上層-32室)
在這幅圖裡，中間不是色彩的混合，而是通過形成一種光的綜合作用的色彩分解或組合，黑色已不在出現於畫家的調色板，剩下的只是造成明與暗的光譜色彩，它們形成了實體，統一的色彩風格很自然地遍及整個畫面：遠景和近景，物體、水和天空，把這一切改造成為一種美妙動人的景象，而渾然一片、不分層次的空間透視，把這遠景和近景連成一個整體，紫色和黃色的調子與河水及天空的蔚藍色交織在一起，這些顏色把這些自然現象區分得清清楚楚，而且平靜如鏡得河面，仿佛就成了天穹得基礎，每一種顏色單獨看起來十分柔和，它們的整體卻又是強烈的。
Bal du Moulin de la Galette煎餅磨坊的舞會-雷諾瓦(上層-32室)
雷諾瓦使用細小、明亮和多彩的筆觸，巧妙地運用樹上葉子所產生的光影，再散置人物於畫面上各角落，在人物造型上，不用很清楚的輪廓、或粗重的線條表現，而以自然寫實的筆調烘托出畫中的人、物與空間，使畫面有著似夢似幻卻又強烈感人的效果，陰影部份採用柔和的藍色調，光亮處則帶著溫暖的粉色調，在午後的陽光下，光影斑駁，透著幾許陶然的溫馨，雷諾瓦喜歡畫氣氛熱鬧的露天舞會，畫面中的主要人物都是以其朋友作為模特兒，煎餅磨坊則是巴黎蒙馬特的一間舞廳，從這幅畫中我們可以看到蒙馬特露天咖啡店中的情景，幾對年輕男女正在跳舞作樂，仕女們充滿魅力、態度從容、舉止優雅，像粉紅玫瑰般令人愛憐，光線透過樹蔭照在他們的衣服、臉上，有印象派的輕快構圖，前景到後景變化很快，後景有往高處發展的呈現，表現出人形逐漸消融在陽光和空氣中，筆觸是鬆散的，畫面上的人物與傳統的畫不一樣，臉部的光線感覺上是撲朔迷離、很朦朧的，不是在講求真正的肌膚感，臉部深度的描繪，眼睛被影子所遮蔽，看起來別有一番趣味。
Chemin montant dans les hautes herbes高草間的上坡道-雷諾瓦(上層-32室)
1875年創作的高草間的上坡道，雷諾瓦以罌粟花的鮮紅色帶動出畫面的色彩，一面對比前景的深色草堆，一面呼應正好位在畫面中央婦人的紅陽傘，另外他利用顏色的深、淡及筆觸的厚、薄表現畫面，如小徑、婦女的衣服等造成畫面的立體空間感。
La cathedrale du Rouen盧昂大教堂-莫內(上層-34室)
莫內利用光線的微妙變化，表現在畫面中，這張是表現陰天時灰色的調和，粗糙的機理，表現出大教堂的粗重石材，另外他還畫了褐色、白色、藍色為主的盧昂大教堂，以表示不同時間所見到的不同顏色。
Femme a l'ombrelle tournee vers la gauche撐傘的女人-莫內(上層-34室)
畫中人為莫內的妻子卡蜜兒，這幅畫的筆觸大膽狂放，人物充滿活潑生氣，可說是印象派作品中最具特色，也是莫內作品中最迷人的女人畫像，這件作品是莫內早期的印象技法畫作，微風吹起女士的白色長裙，構成一幅優美的圖畫，整幅畫只用了簡單的藍、綠、棕等自然的色彩，給人一種寧靜舒適的感覺，畫中的女士佔了畫面大部份的空間，成為畫的趣味中心，雖然此畫是莫內早期的作品，但也可看出極佳地捕捉光影和畫中瞬間印象的感覺，女士面部和上半身都用較暗的色彩，表明是處於陽傘的陰影之下，而整個陽傘、面部、衣裙和草地上的陰影區，與女士衣裙上向光面的光影形成對比，就如現實中看到的一樣，另外擺動的頭巾與長裙上的皺摺也加強了畫面的動感。
La chambre de Van Gogh a Arles在亞耳梵谷的房間-梵谷(上層-35室)
是梵谷描繪他自己臥室的作品，在其臥室裡，顏色左右一切，單純化的色調使房間的擺設呈現出高貴的氣質，整幅畫洋溢著美好安穩的感覺。
Fritillaires couronne imperiale dans un vase de cuivre貝母花-梵谷(上層-35室)
1887年創作的貝母花，在背景可看到梵谷鋪滿了小筆觸，而畫面的主題貝母花，粗獷的線條描繪了花朵的姿態，顯得生氣勃勃。
La meridienne午睡-梵谷(上層-35室)
梵谷經常在信中描述拉克勞原野提到除了色彩有差異外，也常令他想起昔日的荷蘭風光，1890年創作的午睡便是梵谷憑著他的記憶劃下的北方風光的作品，陽光普照的田野，農夫脫下鞋子休憩的畫面，這是梵谷對於家鄉的緬懷及對畫面上所呈現的正是梵谷甜美的心靈，是一幅裝飾性強的作品，色彩鮮艷而大膽，畫面上的兩位人物，一則沈默靜思，一則手持小物，與畫面後方近乎抽象的海平面景象成了和諧的關係。
Portrait de l'artiste自畫像-梵谷(上層-35室)
梵谷把這幅畫看作自己神志正常的標誌，「我希望你能看出我面孔比過去平靜得多了，儘管在我自己看來我的神色比以前茫然呆滯了些，我帶有另外一幅，那是我在病中試著畫的，不過我覺得你會更喜歡這一幅，我在創作這幅畫時有意畫得簡約質樸些，等你見到畢沙羅時，把這幅畫給他看」，與梵谷自己看法正相反，這面孔絕非平靜，表情也絕非茫然呆滯，更準確地說應該是堅定、專注、絕不退縮，梵谷用旋動的冰藍色筆觸描繪出似乎在顫動的背景，背景襯托出身著中產階級的上衣和坎肩、留著桔紅色頭髮和鬍鬚的畫面，同時畫家的面孔又出現了我們所熟悉的器質性光彩，梵谷這幅作品的目的即是暗示自己要恢復信心，他讓提奧把這幅畫給畢沙羅看，這表明他急切地享離開醫院，想回到畫家群體的環境中，在同一封信中，他還寫到「一個人畢竟不應該僅僅作畫，他還必須跟人見面，必須不時地調整自己的情緒，必且通過與別人的接觸給自己補充思想內容」，梵谷把這幅作品看作自己身心復原和可以重新作畫的標誌，因此當他回到北方時，便從提奧那裡把它取走，把它帶到了奧弗，這幅作品感動了奧弗的加歇醫生，他想要一幅摹繪品，然而梵谷並沒有留摹繪品，不過也許是為了讓這位恩人高興，他採用這幅作品的色調與筆法風格，為醫生畫了一幅肖像，梵谷的自畫像所表現的是現代畫家的氣質與抱負，是從畫家的立場上追求烏托邦式的理想境界，背景使用灰藍色連續曲線，產生如旋渦般的效果，木然的神情與變動的背景形成對比，而他的眼神就如安東尼阿得所說的：能把一個人穿透一般。
L'eglise d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet奧維的教堂-梵谷(上層-35室)
1890年6月梵谷所創作的奧維的教堂中，深藍色的天空重重的壓向地面，和呈V字形的淺色地面的構圖，剛好相互呼應，神祕而陰暗的玻璃窗和戶外明朗的色調形成對比，以及線條的律動看似穩定卻內藏起伏不定的不安，這是梵谷在所有作品中充滿矛盾以及統一的一件作品，似乎早已預知即將死亡的警鐘之作。
Le vase bleu藍色花瓶-塞尚(上層-36室)
是在畫中可以感受到塞尚的浼一筆觸，都像建築畫面的磚塊，經過謹慎安排的色彩則形成溫和和冰冷的和諧色調，畫面中所有形體都經過簡化並描以深色的輪廓線，形成塞尚成熟風格中的另一特色。
Les joueurs de cartes玩紙牌的男人-塞尚(上層-36室)
旁支末節在這幅畫裡被省略了，瓶子放在桌子的中間，一束光線突顯了它的圓柱形體積，這是整幅畫的中軸線，將畫面分成兩個部份，進而突出了兩位玩牌者面對面競賽的氣氛，左邊玩牌人的白色衣領和白色的煙斗，在深棕色的背景下顯得異常突出，畫中人物的色彩並非真實，而是為了配合背景所產生的，這種技巧對二十世紀的立體派繪畫影響甚鉅。
Les baigneuses浴女-雷諾瓦(上層-39室)
是雷諾瓦生平最後一件代表作，是他藝術形式的巔峰，充分表達出他極想成功地融合女性胴體以及絢麗大自然的企圖，為他三十年來的繪畫生涯作一總結。
Danse a la campagne鄉村之舞-雷諾瓦(上層-39室)
這幅畫以及城市之舞是雷諾瓦為巴黎畫商所繪，畫中表現出雷諾瓦所欣賞的女人是百依百順和豐滿的，畫中女主角圓圓的臉上透露著樸實無邪，她快活地傾斜著頭，並露出滿足於歡樂的笑容，雷諾瓦在此運用了兩種基色的對比：男人服裝的藍色，婦女帽子的紅色，婦女白底紅花的連衣裙，地板上黃赭色的草帽與婦女扇子及手套的顏色，有相互平衡的作用，看似平凡的畫面，其實是畫家分析物體的形狀、研究鹽色及其組合的產品。
Danse a la villa城市之舞-雷諾瓦(上層-39室)
以舞蹈為主題完成的三幅大作之一，此畫作相對於鄉村之舞與普治巴爾之舞更顯現出巴黎社交的優雅，由於這一類充滿活力與色彩的畫作中，雷諾瓦描繪出了巴黎娛樂生活的喧嘩和氣息，這使得雷諾瓦被稱為快樂的畫家。
弄蛇的女人-盧梭(上層-42室)
大膽的用全黑的色彩畫出女人，散發奇特的神祕氣氛。
Les Alyscamps亞耳的阿里斯康-高更(上層-43室)
1888年創作的，整體而言天空與樹木的裝飾性筆法與不同筆法所產生的質感，以及在構圖上所安排的三個女人，形成一種視覺焦點上不安的氣氛，而整個畫面所呈現出的風景，高更製造出一種世外桃源的效果。
Paysage de Bretagne. Le moulin David布列塔尼的風景-高更(上層-43室)
是高更返回法國時期所創作的，這一幅作品在表現上仍延續大溪地時的線條與色彩，他將法國鄉下風光以熱帶的強烈色彩，例如紅色、綠色的對比來作表現，使得整幅作品呈現出熱帶異國風味的景色。
Nature morte a la mandoline靜物曼陀林-高更(上層-44室)
高更並不是第一個畫此樂器的人，在十九世紀時的浪漫主義畫家已有人畫過，除了曼陀林外又加上了中國的瓷盆及日本的牡丹花，這多種他國產物的使用題材，使得這幅畫參雜了各國的情趣，成為一個文化的拼盤，由此可見得當時社會對異國的興趣。
Le repas用餐：香蕉-高更(上層-44室)
1891年創作的，是一幅流露出溫馨調子的畫。
Arearea消遣-高更(上層-44室)
是高更在1890年專注的題材之一，也就是大溪地婦女的生活紀錄，在畫面上所安排兩位女性人物，他們的姿態猶如相互依偎的雕像一般，流露出女性之間的濃厚情誼，另外紅色的小狗，在這宛如與世隔絕的地方，象徵著與人類和諧的關係。
Le cheval blanc白馬-高更(上層-44室)
是一幅構圖優美、光線交織於畫面中的作品，這幅作品有別於印象派藝術家表現馬的方式，以往以馬為題材的作品，常是紀錄賽馬場的比賽狀況，或者是以馬的動作為主的寫實作品，但是高更的白馬，卻是以如傳說故事中的美麗形象出現，帶給人們無限的浪漫遐想。
Femmes de Tahiti大溪地的女人-高更(上層-44室)
是一幅裝飾性強的作品，色彩鮮艷而大膽，畫面上的兩個人物，一人沈默靜思，一人手持小物，而畫面後方近乎抽象的海平面景象，成了和諧的關係。
Le cirque馬戲團-秀拉(上層-46室)
用點描方式描繪的作品，構圖以小丑的右手為畫面的支點，在這種不穩定的平衡中，秀拉還加上一種旋轉似的火焰、雜技演員及舞蹈者和女騎士在不斷的歡笑表演中形成一道動態的弧線，秀拉用以創造行進中的動感，右邊方門下是觀眾席，四方的格局與畫面中強調線條的作用，切斷後方背景的四方形，強調畫面更為活潑與自由，由於是秀拉晚期的作品，在這幅作品中充分展現他完美的構圖與色彩的運用，直線與曲線恰到好處的對比以及表演人物與畫面的和諧效果，均使畫面產生平衡的效果。
Musee d'Orsay→Hotel de Blois
RER C Musee d'Orsay 2154→Michel Notre Dame 2158(Juvisy sur Orge)
Metro 4 Saint Michel 2203→Alesia 2215(Porte d'Orleans)
費用：€1.6(carnet€1.14)
Shorten Url
阿卡的八婆規劃 (1)
